Aterro da Boavista de Norman Foster

O projecto que poderá [ou não] acabar com o IADE...
Se calhar até poderíamos ficar bem servidos! ora vejam...

[localização]...["colado" ao IADE]



[maquete]

[exteriores & interiores]

[comparação]

[no futuro...]

Santos Design District

Santos Design District é uma iniciativa promovida pela SDD - Associação Empresarial do Bairro de Santos, fundada por um conjunto de importantes agentes económicos da zona, entre os quais as mais importantes lojas de design de Lisboa que, em Dezembro de 2006, uniram esforços para promover a continuada requalificação e dinamização da zona.
Em conjunto com as autoridades e parceiros estratégicos, esta associação promove a melhoria e reconversão dos espaços públicos, a dinamização cultural, a criação de infra-estruturas para o lazer e diversão, com o propósito de tornar Santos um destino cada vez mais interessante e apelativo em Lisboa.
Pretende também aprofundar e consolidar a tendência de instalação em Santos de actividades ligadas ao design, desde o seu ensino e produção até à sua comercialização e divulgação, demarcando assim esta zona como o principal destino associado ao design e Criatividade em Lisboa, com projecção nacional e internacional.
Estes esforços inserem-se num contexto de renovação, a que a recente remodelação do largo Vitorino Damásio deu início, e que irá prosseguir com a elaboração de um masterplan para uma área de 5 hectares em Santos, que inclui o Projecto da Boavista, um projecto do internacionalmente reconhecido arquitecto Norman Foster, que terá no design o seu elemento estruturante.

CGD - Banco do Design

CGD entre as melhores marcas financeiras do mundo...
A Caixa Geral de Depósitos – Banco do Design - foi considerada a 77ª marca financeira mais valiosa do mundo, segundo o relatório publicado pela BrandFinance que hierarquiza as 500 marcas financeiras mais poderosas do mundo. A Caixa Geral de Depósitos está ainda entre os 50 bancos mais seguros do mundo em 2009 e segundo o relatório elaborado pela Global Finance, o banco estatal é o único banco nacional a figurar nesta lista, sendo a marca CGD avaliada em 1000 milhões de euros.

Carlos Rosa Designers Group

A Carlos Rosa Designers Group cria projectos de design em variadas áreas de actuação. Estão habilitados a desenvolver projectos simples como livros ou folhetos, assim como a criação de sistemas projectuais mais complexos como branding ou design de sinalização. Liderados por Carlos Rosa, designer e professor universitário do IADE e também investigador de design de informação e em metodologias de projecto, actualmente desenvolve o Doutoramento na Faculdade de Arquitectura de Lisboa. Carlos Rosa tem variados projectos de design de investigação em design publicados em várias partes do globo. De Lisboa a Londres, passando por Delft e Pequim, a Carlos Rosa Designers Group tem como objectido criar, investigar e implementar os projectos com base em investigação aplicada de modo a melhorar a qualidade de vida de todos nós.

mude

O MUDE Museu do Design e da Moda abriu as suas portas no passado dia 22, no nº 24 da Rua Augusta. Mesmo antes do início das obras de adaptação definitiva da antiga sede do BNU às suas novas funções museológicas, o MUDE oferecerá nesse local uma programação contínua onde estarão presentes as diferentes perspectivas e linguagens do design.A exposição inaugural ‘Antestreia’ apresenta um conjunto de peças de Le Corbusier a Azzedine Alaïa que permitem visitar histórias e acontecimentos do século XX e XXI, a partir dos objectos que as viveram ou foram usados pelas muitas pessoas que, no passado, foram dessas histórias também actores. Aqui o acervo de moda tem um lugar de destaque pois é a primeira vez que é apresentada ao público.No dia 18 foi para as bancas o novo catálogo do MUDE, com um conceito, formato e forma de distribuição inovadores.



O MUDE não se fecha sobre o design de produto e moda. Equaciona o conceito de design nas suas várias expressões durante o século XX, entendendo a sua evolução como uma realidade inserida num contexto histórico e acompanha a contemporaneidade, mostrando as novas tendências e caminhos do design do séc. XXI.
Pretende ser um espaço para o debate entre a criação experimental e a produção industrial, a discussão sobre a relação design/arte/artesanato ou a reflexão sobre os desafios urbanos, socio-económicos, ambientais e tecnológicos da actualidade.
Um lugar onde se sublinha a transversalidade da criação contemporânea, e para o qual se convidam as outras expressões artísticas e áreas do pensamento a dialogar com o design.

theserved.com

atenção! devido á elevada qualidade dos trabalhos exibidos, este post não é aconselhável aos bloguistas mais sensíveis :]

Served, podemos dizer que é o "sumo" de toda a comunidade criativa a nível mundial. Atravéz da rede Behance, uma equipa devidamente qualificada, escolhe os melhores trabalhos para serem publicados de uma forma "catalogada", ou seja, todos os trabalhos de moda são colocados no site www.fashionserved.com, os trabalhos de tipografia em www.typographyserved.com... juntando também a Fotografia, o Motion Graphics e o Design Industrial, cada um deles num site específico mas com a mesma terminação...

Behance

Behance é á semelhança do que se conhece da Deviant Art, Computer Love, Design Related e da Cloroflot. Para quem não conhece nenhum dos anteriores, podemos dizer que é um [Hi5] exclusivo a criativos. É uma plataforma digital para apresentação de portfólios, trabalhos, seminários... Dizem os especialistas que a sua tecnologia utilizada supera todos os seus sites concorrentes. A Behance diz que servem para demonstrar trabalhos, construindo um multimédia-portfólio com um número ilimitado de projetos e para uma exposição completamente grátis. É um local indicado para encontrar e contratar novos talentos, sendo que não têm anúncios, não tem limitações e não exige nem evoca a criação de websites.

Insignia

Font Insignia® faz parte da família de originais da Linotype. Insignia foi concebida por Neville Brody, originalmente como um título para enfrentar a revista Arena, em 1986, e lançado como um tipo de letra por Linotype em 1989. Insignia tem as formas básicas de fontes grotescas e foi influenciada pela Nova Tipografia da Bauhaus durante a década de 1930. Esta fonte tem recebido reconhecimento internacional pelo seu estilo inovador, chegando a quase a um estatuto de culto.

Fuse

Fuse é internacionalmente conhecida como a magazine ou plataforma de desenho experimental e tipografia. Existem regularmente conferências que atraem os principais profissionais de design e da criatividade em geral. Até agora tem havido conferências em Londres, San Francisco e Berlim e há também uma publicação trimestral dedicada especialmente a tipógrafos. A primeira edição da Fuse foi produzida em 1991, agora é exclusivamente produzida pela Research Publishing, uma empresa irmã da Research Studios.

Neville Brody

Neville Brody é um dos designers mais conhecidos da geração de 80. Formado na London College of Printing, 1976-79, os seus primeiros trabalhos como designer foram capas de discos de música na Al McDowell's e para as editoras independentes Stiff Records e Fetish Records. Foi nesta última que começou a experimentar e a tornar coerente a sua linguagem visual, que hoje tão bem discernimos. Entre 1981 e 1986, foi art editor da revista "The Face", para a qual desenhou a fonte geométrica Typeface Six (1986). Foi na Face, que criou verdadeiros desafios ao que até então se fazia no design editorial. As suas criações, verdadeiramente inseridas no movimento Pós-modernista, criaram uma ponte para o universo ecléctico que se viveu no início dos anos 90 e até para um certo revivalismo geométrico e informático do final da década de 90. Em 1987, é director artístico da revista Arena, agora menos frenético e mais neutro. Neste mesmo ano funda The Studio em Londres. Neville Brody, foi um dos primeiros designers a virar-se para o uso das novas tecnologias, nomeadamente com o uso do Apple Macintosh. Entre muitos outros projectos, realizou a imagem corporativa do canal de televisão austríaco ORF TV, criou diversas famílias de tipos para a Linotype, foi o impulsionador da revista de tipografia digital experimental Fuse, etc. Torna-se sócio de Erik Spiekermann na Fontworks, empresa que edita e distribui fontes digitais. Os seus últimos projectos são dedicados ao webdesign e interface design, como por exemplo a imagem/interface dos novos programas da Macromedia (Flash, FreeHand, etc), logotipos e imagem para o webzine produzido pelo Turner Entertainment Network - SPIV, o website da FontNet e FontWorks UK, do museu , os websites Gardianunlimited (GuardianUnlimited, NewsUnlimited).

Play Time [Jacques Tati]

De início, o aspecto geral do ambiente, mostra linhas bastante simples e rectas, o que declara uma preocupação cuidada do espaço. Ao sair para o exterior, a presença e o número elevado de veículos automóveis, declara um aumento considerável da estandardização e consecutivamente do consumo. A forma dos actores contracenarem uns com os outros, remete-nos para a teatralidade dos tempos da Bauhaus e do teatro de Oskar Schlemmer, parecendo tudo muito encenado. A Arquitectura explora as potencialidades do ferro e do vidro, assim como a tecnologia em grande estado de evolução, faz com que os seus utilizadores pareçam perdidos e confusos. O individualismo no trabalho é um facto adquirido e os movimentos estão completamente estudados e calculados, que nem robot's! É mostrado a criação e a inovação em pequenos objectos do quotidiano, tais como óculos e esfregona, e os poster's e tipos de letra são claramente influência da Bauhaus. São apresentados também novos materiais, nomeadamente a favor do isolamento e a presença de candeeiros, com referências da Bauhaus é bastante frequente. O design de mobiliário mostra-se mais inovador e adaptado com maior especificidade a cada situação e existe um grande aumento do consumo de energia, tanto ao nível industrial, como doméstico. As referências citadinas da cidade Luz aparecem apenas em pequenos pormenores, tais como o reflexo da Torre Eiffel e do Arco do Triunfo nos vidros. Por fim, a moral da história deixada, mostra que a pressa de acabar um projecto, seja ele de que área for, gera maus acabamentos, salientando que o melhor mesmo é finalizar atempadamente e de forma consciente.

Leonardo Da Vinci [pintura]

Igualmente a Michelangelo, Rafael e Ticiano, Leonardo da Vinci fez parte da pintura Renascentista. Além das 25 pinturas conhecidas do autor, das quais restam hoje cerca de 10, supõem-se que Leonardo deixou pelo menos 30 mil páginas de manuscritos, dos quais dois terços continuam desaparecidos. Para Leonardo a arte não existia sem ciência e acreditava que a verdade só poderia ser apreendida através da observação minuciosa das coisas e que as teorias deveriam ser testadas através das experiências no mundo real. Desta forma, o trabalho artístico, começava a aliar a observação científica e a experimentação minuciosa, fazendo sempre os registos escritos e esboçados. Para além de observador e perfeccionista, Leonardo estudava e criava tanto as tintas, assim como, revia e retocava incansavelmente as suas obras tentando alcançar a perfeição. Era fascinado pelo estudo da luz/sombra, paisagens, bem como os efeitos ópticos dos objectos observados á distância.

Mona Lisa
Óleo sobre madeira de choupo770 x 530 mm
1503-1506 Paris, Museu Louvre

Considerado o quadro mais famoso do mundo, este quadro é sem dúvida um dos melhores de Leonardo. Foi encomendado pelo comerciante de sedas Florentino Francesco Del Giocondo, retratando a sua a sua esposa, Lisa Gherardini, assinalando assim, o nascimento do segundo filho do casal. Mona Lisa é sem dúvida dona da expressão mais subtil e expressa um género de pintura tradicional de retratos, que se desenvolveu em Florença nos finais do séc. XV.

Última Ceia
Pintura Mural 4600 x 8800 mm
1495 Milão, Convento de Santa Maria delle Grazie

A Última Ceia contribuiu para fortalecer a fama de Leonardo como pintor. Trabalho executado no refeitório do convento de Santa Maria delle Grazie em Milão e encomendado pelo Duque Ludovico Sforza. O mural durou 3 anos a ser executado e embora fosse um tema tradicional na altura, a sua qualidade, realismo e a representação dramática das figuras, deu á obra um maior realismo, influenciando todas as suas subsequentes.

Leonardo Da Vinci [estudos anatómicos]

O domínio e interesse pela anatomia era quase como uma necessidade para Leonardo da Vinci. Passou algumas das suas noites a dissecar cadáveres, tanto de homens como e mulheres de todas as idades para que a sua representação do ser humano seja o mais fiel possível. Era importante entender a beleza das proporções, assim como, as energias aplicadas pelos músculos do ser humano em movimento. Os manuscritos de Leonardo sobre esta prática, demonstram exaustivamente os princípios mecânicos dos movimentos musculares. Este recurso destinava-se posteriormente á prática do desenho de nus com o maior rigor e minúcia, não desenhando apenas corpos esbeltos e no auge da sua beleza, mas também desenhando todas as implicações da velhice, como as rugas e deformações. Pela sua atitude, foi de sua autoria a descoberta de um problema ainda hoje actual como a arteriosclerose. No entanto, a beleza não era apenas o que procurava e a procura de feições desagradáveis, repugnantes e feias também eram alvo dos seus desenhos.

Homem de Vitrúvio
Pena, tinta e aguarela sobre ponta de metal 344 x 245mm
1490, Veneza, Gallerie dell'Accademia

O exaustivo trabalho do Homem Vitruviano, foi inspiração por parte do trabalho do arquitecto romano Vitruvius. Leonardo quis transmitir a proporção perfeita ou divina da relação entre as diferentes parates do corpo humano. Nesta altura era comum representar o que quer que seja de forma mais perfeita do que a realidade. Deste modo, o Homem de Vitrúvio não é mais do que uma representação disso mesmo. Esta figura representa um ser humano masculino, enquadrado por um círculo e um quadrado. Os genitais marcam o centro do quadrado e o umbigo o centro do círculo. Leonardo é considerado o primeiro artista a tentar encontrar fórmulas matemáticas para poder representar e compreender o corpo humano.

Leonardo Da Vinci [um ser criativo]

“De tempos em tempos, o Céu nos envia alguém que não é apenas humano, mas também divino, de modo que, através de seu espírito e da superioridade de sua inteligência, possamos atingir o Céu.”
Giorgio Vasari



Leonardo da Vinci é sem dúvida o génio artístico e científico por excelência de todos os tempos. A sua extensa obra com começo em Florença, Milão e, posteriormente, em França, inspirou e influenciou artistas contemporâneos que, para além de revelar uma enorme inovação que ia muito além do seu tempo, mostra que essa capacidade de criatividade não é só conseguida através do seu ser génio, mas também pela capacidade de trabalho árduo que Leonardo desenvolvia. Ao longo da sua vida, podemos ver a quantidade de áreas científicas ás quais Leonardo se envolveu, nunca deixando de obter uma qualidade extrema e desenvolver um enorme espólio de obras, que superam todas as expectativas que muitas vezes pensamos em relação á antiguidade. Dono de uma capacidade notável de aprendizagem, Leonardo não se contentava com o que até então já sabia e os novos conhecimentos eram uma procura constante. Foi pintor, escultor, desenhador, arquitecto, inventor, cientista, engenheiro, escritor e ainda músico, fazendo quase parar com a nossa respiração de tantas áreas por si envolvidas.

wassily chair

Marcel Breuer era um aprendiz da Bauhaus quando concebeu a primeira cadeira de aço tubular com base no quadro de uma bicicleta. Produto bastante admirado por aliar a questão funcional á estética, assim como, bastante à frente da época da sua concepção. Foi a primeira cadeira em que as tiras de couro ficavam suspensas sobre os tubos de aço e é um símbolo clássico do modernismo. Ganhou o prémio "The Museum of Modern Art Award" em 1968, é um dos símbolos do design de produto e é também um exemplo de projecto ergonómico que visa aliar a postura e o conforto na posição de sentado. Existe reproduções em todo o mundo por vários fabricantes que comercializam o produto sob diferentes nomes, mas a sua patente está registada pela Knoll.

offf

OFFF é um festival de vanguarda que explora o mundo digital, aliando o Design ao mais inovador software. Para além deste conceito, o OFFF festival reúne designers e artistas de topo do mundo inteiro, fazendo deste evento, um ponto de encontro em que se trocam ideias, contactos e novas formas de comunicação no mundo do Design. Assim, este evento tornou-se no incontornável festival de Design, onde a criatividade digital é o ponto alto, não existindo até ao momento outro evento do género. Desde o ano passado é realizado em Lisboa e este ano não é excessão... Os três dias de festa reúne artistas de topo nas áreas de web design, motion graphics, música e novas áreas extremamente inovadoras. São convidados mais de 60 artistas internacionais e incluem personalidades tais como Neville Brody, Stefan Sagmeister, Tomate e Kyle Cooper, incluindo também software e tecnologia de ponta. Estes artistas vêm para o OFFF não só a partilhar as suas últimas obras e técnicas, mas também explorar um ambiente artístico que por ele próprio envolve e ajuda à inovação e à criatividade. O OFFF é mais do que uma conferência de Design ou um festival de animação digital, é sim uma experiência de 3 dias de criatividade em que os artistas podem jogar, trabalhar, gozar e experiênciar em comunidade, podendo fazê-lo entre o público de maneira a criar uma única e indescritível recolha de ideias, deixando todos em ONNN!
O ano passado foi assim...

bo[x]wallpaper

[thºnet]

• A cadeira mais famosa e vendida em todo o mundo;
  
• Cadeira de Consumo ou thonet nº 14 (1859-1860);
  
• Ícone do design e produzida até aos dias de hoje;
  
• Cadeira por excelência de café em todo o mundo;
  
• Produzida em massa e de custo bastante baixo;
  
• Composta por 6 pecas e 10 parafusos;
  
• Em 1930 foram vendidas 50milhões de exemplares em todo o mundo;
  
• Expoente máximo na técnica de moldagem a vapor da madeira sólida;
  
• Em 1860 custava menos que uma garrafa de vinho;
  
• Ainda hoje é comercializada da mesma forma.

Constituição da cadeira:

• 5 peças, montadas por método simplificado;
  
• Acento circular feito em malha de palha;
  
• Utilização de 10 a 12 porcas e parafusos (dois anéis de madeira depois de serem vincados são coladas para fixarem a forma pretendida)

O processo de vergar a madeira foi inventado pelo marceneiro e designer alemão Michel Thonet, no início do século XIX. Ele descobriu diversas maneiras de curvar a madeira através da água, da cola quente e, mais tarde, do vapor. Quem poderia imaginar, no século passado, que os móveis Thonet ainda seriam um clássico 150 anos depois! Em 1842, Thonet inventou um mecanismo a vapor capaz de curvar e moldar a madeira. Flexível, ela ganhava contornos que, por volta de 1859, se materializaram na célebre Cadeira 14. De encosto curvo e assento de palhinha, esta transformou-se numa das cadeiras mais vendidas do mundo. Michael Thonet começou em 1830 a fazer experiências a curvar lâminas de compensado. Fervia tiras de madeira em cola dissolvida e curvava-as em moldes de aço, ficando assim conhecido como o precursor do processo de industrialização da arte de curvar madeira. Uma das particularidades deste processo está no facto das toras das árvores de açoita ficarem de molho em água fluvial de 6 a 8 meses para amolecerem as fibras apropriadas à moldagem. Para além desta técnica, o modelo nº 14 foi a primeira cadeira a utilizar a técnica de curvatura da madeira através do vapor de água e depois de 1865 toda a produção era executada desta forma. Graças a uma junção aparafusada, agora é possível exportar via navio as cadeiras desmontadas, efectuando a montagem só quando chegassem ao seu destino. Trinta e seis cadeiras nº 14 podiam estar dentro de um caixote de apenas 1 metro cúbico, forma que era extremamente prática e que economizava muito espaço, sendo um método de embalagem revolucionário para o século XVIII. O facto de serem ajustáveis contribuiu, mais uma vez, para o sucesso desta peça de mobiliário existente até à actualidade.

Walter Gropius

Walter Gropius nasceu em 1883 na cidade de Berlim. Filho de um arquitecto e estudou na Universidade Técnica de Munique. Entrou no escritório de Peter Behrens em 1910 e três anos mais tarde estabeleceu uma prática com Adolph Meyer. Após servir na guerra, Gropius envolveu-se com vários grupos radicais de artistas que nasceram em Berlim em 1918. Em Março de 1919, foi eleito presidente do Grupo de Trabalho do Conselho de Arte e um mês mais tarde foi nomeado director da Bauhaus. Quando a guerra se tornou eminente, Gropius deixou a Bauhaus e retomou prática individual, em Berlim. Eventualmente, ele foi forçado a abandonar Alemanha para os Estados Unidos, onde se tornou professor na Universidade de Harvard. De 1938 a 1941, trabalhou numa série de casas com Marcel Breuer e em 1945 fundou "O Colaborativismo dos Arquitectos", um desenho de equipa que encarna a sua crença no valor de um trabalho de equipa. Gropius criou inovadores desenhos que utilizam materiais e métodos de construção da tecnologia moderna. A defesa da construção industrializada levadas a cabo por ele acarretam uma crença no trabalho em equipa e uma aceitação da normalização e pré-fabricação. Usando a tecnologia como base, transformou a construção de edifícios numa ciência exacta de cálculos matemáticos. Foi um importante teórico e professor. Gropius introduziu um novo sistema de construção de paredes pela utilização de estruturas em aço que permitiam apoiar os andares e criando assim a construção de grandes superfícies envidraçadas sem interrupção. Gropius defendia a padronização como uma função da sociedade humana, desejo de reproduzir uma boa forma standard. Mesmo sociedades pré-industriais aceitavam naturalmente a repetição de formas standard como resultado de uma fusão do melhor. Contudo, o conceito standard deve ser tomado como um título cultural honroso e chama a atenção que nem todos os produtos industriais podem ser elevados à categoria de produto standard. Gropius afirmava que a padronização e a pré-fabricação não eram provocadoras de casas como produtos estereotipados. O mercado competitivo encarregar-se-ia de criar uma variedade de peças pré-fabricadas, assim, como os demais artigos de consumo produzidos industrialmente. No entanto, ressaltava a necessidade de uma constante revisão e renovação das formas padronizadas, para que não se tornassem ultrapassadas. Gropius morreu em Boston, Massa-chusetts, em 1969.

Comemoração do aniversário de Walter Gropius por parte do Google!

Peter Behrens

Peter Behrens nasceu em Hamburg, na Alemanha em 1868. Deixou a pintura na Escola de Karlsruhe e Dusseldorf (1986-9) para se dedicar às artes gráficas e aplicadas baseadas na Arte Nova. Foi pioneiro em responder à demanda da civilização industrial através da arquitectura que influenciou o Movimento Moderno na Alemanha e ao que hoje chamamos de Desenho Industrial. Convidado por Duke Ernst Ludwig a juntar-se a artistas no chamado Grupo 7 (arquitecto J.M. Olbrich, decoradores P. Huber e P. Burck, pintor H. Christiansen, e escultores L. Habitc e R. Bosselt) que mantinha ligações com as artes plásticas em 1899. Trabalhou na AEG (Companhia Eléctrica Alemã) em projectos eléctricos e na parte de comunicação visual e gráfica, criando a imagem corporativa da empresa. Introduziu uma nova expressão para a monumentalidade da arquitectura europeia com a Fábrica de Turbinas AEG - primeiro edifício alemão em aço e vidro (1908-9) e projectou também um complexo de apartamentos para os trabalhadores da AEG em Henningsdorf (1910-1).Também desenvolveu projectos no estilo neoclássico atendendo as necessidades do cliente verificados nos escritórios de Dusseldorf para Mannesmann AG (1911-2), Companhia Continental de Borracha (1913-20) e a Embaixada Alemã em St. Petersburg (1911-2).Nomeado director da Escola de Arquitectura de Viena em 1922, com uma produção considerada exemplo do Expressionismo Alemão possui importantes seguidores como Le Corbisier, Walter Gropius e Mies van der Rohe. Faleceu em Berlim, 1940.